书法，讲究天人合一。
有些传世之作，往往便是在这样的状态下诞生的。一代书家，有些代表之作，让他第二次再来写一遍，就没有原先的感觉了。诸如颜真卿的《祭侄文稿》，那是在有多悲痛的情况下所写的？
这种情感的酝酿、宣泄，天、地、人，三者合一，只有这么一回。
《兰亭集序》，便是在曲水流觞，兰亭赋诗，这样的欢快场景下应运而生。就连王羲之本人，在那日之后，再也无法达到兰亭集序这样的神助之作，将此作品视为珍宝。
可想而知，这幅作品，是有多么难能可贵。
钟岳看着演化而来的场景，转身入室，准备创作了。那人还算是有点良心，给钟岳带来的是云母熟宣。如果是普通的生宣，钟岳估计得抓狂了。工笔山水画，太注重细节，如果用生宣，颜料晕染开，整幅画就作废了。
这幅画，钟岳并不是打算用写生的方式，现在意义上的写生，其实是从西洋画法之中借鉴而来，以至于现在的国画技法，也变相地注重写生了。
然而古代并没有如今定义上的写生技巧。很多画作的诞生，或是在行舟途中而画，或是在家中而画，靠得不是眼前看到的景，靠的是什么？
心中有山壑。
这便是国画的精髓了。画作的诞生，是人与自然精神的交流，而非视觉上的感官记录。
为什么总是称国画为写意画，就是因为国画蕴含的，就是文人的精神，是意志的载体，所以才称之为写意画。
画室之中，稍有人进来。由于还没开学，并没有作品要上交，大多数学生还享受着暑期的尾巴，偶尔过来凑热闹的同学，看到窗角那畔的大桌前站着的钟岳，先是一愣，继而露出一副怜悯之色，摇头叹气，呢喃自语道：“又是个不怕死的啊……”
钟岳已经开始拿一支小毫，开始作画了。
山水画之中，可以有人物吗？
自然可以，然而山水画中的人物，又与人物画中不同，讲究的是一个意象。
或许寥寥两笔带过，你甚至可能看不清此人的五官面貌，身形体态，然而代入到此画之中，你却能诧异地发现，你居然有了情感上的体悟。
这便是大家手笔了。
西方画派，更注重技法，然而国画，所有的技法，所有的色彩，都是服务于同一主旨。
那便是意向。
一幅画，你到底要表达什么？
是隐逸闲适，还是心中愤懑，亦或是欢快自得，等等，这就是国画的精髓了。
钟岳的线条，蕴含了神人九势的笔法。对于山水草木，更加是得心应手。纸上的线条，即使是未成画像，都能感觉到，这几笔，到底是在画什么。
流水潺潺。
墨韵之中，钟岳的笔法不断变换。
水是无相的，却最能够从中看出气势来。
曲水流畅，钟岳笔下的水，不急不缓，似乎恰好就是这样一个速度，能够让承载酒杯的荷叶慢慢漂流，在文人雅士之间横生妙趣。
如果这时候有现当代国画大师站在一旁，定然会觉得钟岳惊为天人。
用笔如此老辣，以至于整幅作品还未填色，便已经气势显露。
屋外不知道什么时候起，已经雷声隆隆，一场狂风暴雨，在酝酿着。
钟岳放下笔。
走过去将日光灯打开，准备上色了。
这幅作品，钟岳将尺幅局限得很小，要在一个小时内完成画作，如果尺幅放得很大，上色就要耗去很大精力。
兰亭本来就不大，何必多此一举？
钟岳这幅画作，仅仅一个扇面的大小。
画板上颜料挤成了一堆，王希孟画法之中，颇讲究青绿着色，鲜明轻快，正是钟岳要表达的意境画面。
饮酒赋诗，击掌而歌。
此情此景，自然是突出一个乐字。
钟岳的画作里，对于人物采用的是模糊处理，然而整个画面看去，场面其乐融融，颇有神韵。
颜料，在纸间渲染开来。钟岳用笔用料，都显得极为老道。
雨下得有点大，雷声隆隆，整个画室内都没人过来，大概是被这瓢泼的大雨阻隔在了室内。
山岭、溪流、兰亭、雅士，构成了一幅和谐的画面。
钟岳有一种酣畅淋漓之感，虽然这借来的颜料因为开封时间有些久了，有些发干失彩。
但从整体来看，这幅画作，还是让他很满意的。
工笔重彩，在唐宋盛世，绝对是占据鳌头，随着文人画的博兴，被视为艳俗匠气的丹青渐渐落寞。直到近现代，这种水墨画大一统的格局才被打破，重彩迎来复兴。
这也是钟岳如今用色敢如此大胆的原因。
这是国画最好的时代！
钟岳放下笔，看着窗外的雨幕。
“提交任务。”
“宿主是否确认提交【古韵绘景】任务？”
“是。”
“滴……”
系统响了片刻，木讷地分析语音响起：
“检测相关画作一幅。
画风：北宋院体画。
作品水准，中级画作。
艺术价值：七十六。
历史价值：八十九。
综合收藏价值：八十一。
达到任务要求，任务完成。”
这是钟岳头一次使用系统检测功能来评价自己的作品。一幅画的好坏，并不是单纯地看笔法。构思、立意、创新、题材，等等，都会影响这幅画作的价值，也不是说凡是出自大师之手的画作统统都是精品